Cristina Daura es una de esa mujeres que se buscan la vida como ilustradora y dibujante de cómics, toda una ‘heroicidad’ en el panorama artístico actual. Esta barcelonesa es otra ‘víctima’ del modelo de enseñanza español. Entró en Bellas Artes pero se dio cuenta de que la normalización de esta disciplina no potenciaba su capacidad creativa e innovadora, así que cogió las maletas en busca de experiencias más motivadoras y llegó a la Escola Massana para estudiar lo que más curisodad le despertaba, Ilustración. Posteriormente realizó unas prácticas en la editorial inglesa Nobrow y pasó por Estados Unidos para perfeccionar sus habilidades como ilustradora.

Daura trabaja en su propio estudio y ha colaborado en fanzines como Rojo Putón, Kovra, Colibrí o Foto di Gruppo, en revistas como Nurant, Nobrow o The New Yorker o editoriales como Penguin Books, entre otros.

¿Su estilo? Colores vivos, geometría, personajes cotidianos y cándidos en historias que muestran una verdad sin tapujos, todo un combo inconfundible by Cristina Daura.

Todas las imágenes  © Cristina Daura | Tumblr | Behance | Instagram

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La identidad se construye permanentemente y se redefine en cada presente que vivimos. Está cimentada a partir de las historias, experiencias y valores que hemos ido incorporando desde nuestra infancia.

El artista Parker Day explora este fenómeno dinámico de la identidad y las máscaras que utilizamos para ser aceptados en el momento de sociabilizar a través de fotografías de personas con rasgos físicos peculiares o simplemente poco agraciadas. Day reúne a personajes extraños y les viste/maquilla como celebrities. ¿El resultado? Una mezcla de atracción y aversión y la destrucción de la idea de lo feo o bonito, un efecto potenciado por la ausencia de retoques en las imágenes (las fotografías están tomadas con rollos de 35 mm).

Actualmente Parker Day está completando su proyecto ICONS, una serie de 100 retratos que serán exhibidos en galerías de Los Ángeles y Portland.

Os dejo con estos modelos estrambóticos y de paso con un ejercicio para cuestionarnos el concepto de belleza, transformado de manera perversa por las redes sociales.

Todas las imágenes © Parker Day | Web | Instagram | Visto en Juxtapoz Magazine

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“A veure si en el MACBA hay suerte
Oh shit! me ha caído un skater
Me voy para el bar Marsella
de peu i drink tres estrellas”
Cerveza beer | Las Ruinas

Cada vez es más habitual encontrar a jóvenes practicando sus trucos de skate. La Plaça dels Àngels del MACBA, el Kaos Temple de Okuda San Miguel o la explanada del Matadero de Madrid son algunos lugares en los que podemos ver flips estratosféricos que a más de uno nos dejarían tronchados una semana en cama.

Phil Hackett, conocido como Hackett Illustration, va más allá e imagina un mundo dominado por las tablas de skate. Este ilustrador, residente en Bristol y colaborador de la agencia Eye Candy, propone, entre otras cosas, un suculenta tabla de nigiri a las cuatro ruedas, unos cigarros de madera de lo más saludables o una tabla de planchar que yo mismo emplearía (pensemos que la arruga es bella) para dejar mis camisas impecables.

Sabemos que su estilazo te ha embaucado y también a diferentes medios de comunicación como la BBC, The Guardian, Financial Times, Sky o The Independent, que han contado con él para ilustrar algunos de sus reportajes.

Sin más dilación, te dejo con este ‘Planeta Skate’ tan divertido. Espero que lo disfrutes mientras yo me tomo una caña a tu salud.

Todas las imágenes © Hackett Illustration | Web | Instagram 

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Os propongo perdernos en los patterns de Sara Maese. Esta ilustradora originaria de Ceuta y residente en Holanda es licenciada en Bellas Artes (carrera que, según comenta, no le influyó gran cosa) y especializada en diseño de motivos e ilustración editorial. Tras pasar por el estudio de ilustración holandés Loulou & Tummie y trabajar para clientes de medio mundo se lanzó a la aventura de ser freelance.

Una vez introducida su bio, podríamos pasarnos horas hablando de sus patterns frescos, de colores pastel y trazo grueso. Por mencionar algunos de sus trabajos, en ‘Typical Spanish’ unos pequeños humanos desnudos nos enseñan cómo elaborar las recetas más típicas del país, (bien arriba con esa tortilla de patata, salmorejo, torrijas o paella de marisco) y con ‘Map of Holland’ nos muestra con gracia los lugares a visitar en el país de la bicicleta.

Maese comenta que diseña motivos por sus clientes pero también por ella misma, “para sacar ese mundo absurdo y lleno de color que hay dentro de mí y que de otra forma no saldría a la luz”. Desde Cóctel Demente nos alegra ser espectadores de ese rico universo interior.

Todas las imágenes © Sara Maese | Web | Instagram | Behance |

Chase Hart es un fotógrafo de Portland (Oregón) que publica su trabajo bajo el sello My Friday Films. Hart centra su proyecto artístico en mujeres de su entorno decididas y gamberras. Así, con su cámara de 35 mm capta imágenes sensuales, desnudos y producciones estilizadas reafirmando la identidad y sexualidad femenina. Una colección de retratos de lo más suculenta.

Todas las imágenes © Chase Hart | Web | Tumblr | Instagram

“Dentro de nosotros hay algo que no tiene nombre. Esa cosa es lo que somos”
‘Ensayo sobre la ceguera’ | José Saramago

Saramago definió su ‘Ensayo sobre la ceguera‘ como “novela que plasma, critica y desenmascara a una sociedad podrida y desencajada”. El diseñador colombiano Mateo Correal nos propone un abecedario con mensajes visuales tan potentes como reales, que “frecuenta escenarios duales del ser humano y la naturaleza. Un espectro que muestra, de manera inherente, palabras que se manifiestan en una gamma perceptible. Sucesos que generan una amplia literatura visual”. En sus respectivos trabajos, ambos recurren a la sátira social para hacer un diagnóstico de la sociedad occidental contemporánea.

En ‘Espectro’, Correal asigna a cada una de las 26 letras del alfabeto una palabra con una importante carga simbólica y social. Así, experimenta con el collage superponiendo imágenes y escenarios que superan a la ficción en términos como abismo, trabajo, mística, obsesión, justicia, xenofobia o juventud. Una reinterpretación que pone el foco en los males del ser humano y en la invidencia mental que nos acompaña.

Correal reside en Barcelona desde hace cinco años, lugar en el que ha acabado sus estudios y en el que ha acometido diferentes proyectos, como portadas de discos de bandas punk y fanzines de fotografía.

Os recomiendo seguir la pista de este artista comprometido con la realidad que vivimos.

Todas las imágenes © Mateo Correal | Behance | Instagram

La primera ilustración que vi de Cristina Jiménez tenía como protagonista a la viejoven Angela Lansbury, y claro, aquello me animó a bichear su trabajo. Esta pamplonica se ha ganado los Krispies con el diseño gráfico y web, aunque lo que realmente le tira es la ilustración.

Animada por lo elegante y expresivo de su trabajo, me he acercado a ella con unas preguntas que ha tenido a bien contestar.

No olvidemos aquel “tienes más peligro que asistir a una fiesta con Jessica Fletcher”.

Eres licenciada en Bellas Artes. Últimamente escucho a muchas personas descontentas con esta carrera ¿Realmente sientes que estos estudios te aportaron más o menos que un sándwich de Nocilla?

Más que un sándwich de Nocilla, eso seguro. En mi caso debo decir que sí que me aportaron (algunas asignaturas en mayor medida que otras). El problema aparece cuando terminas la carrera y te encuentras con que, en algunos casos, es difícil orientar esos estudios hacia una salida profesional y es por eso que a veces puede causar bastante frustración. A mi me ha pasado, true.

La ilustración o proyecto que más satisfacciones te ha dado.

Me parece que no ha llegado todavía, prefiero pensar que está por hacer.

Jessica Fletcher protagoniza uno de tus trabajos. ¿Qué significa para ti Angela Lansbury (además de ser un referente ‘viejoven’?

De pequeña solía ver “Se ha escrito un crimen” y me maravillaba cómo esa mujer resolvía siempre todos los casos que se le presentaban, ¡era más lista que nadie!. Jessica Fletcher me fascinaba y por eso le hice este pequeño homenaje el día de su 91 cumpleaños.

¿Para qué marca o persona te gustaría trabajar?

Para alguna que apreciara el trabajo que lleva consigo la creación artística. Desgraciadamente, es una ocupación bastante infravalorada en general (tanto social como económicamente) y no se le da la misma importancia que a trabajos de otro tipo.

Nunca dibujarías a…

Nunca digas nunca.

 ¿Cuál es el mensaje que nos trae Cristina Jiménez con su trabajo? Así, en plan rollo mesiánico.

Ninguno en particular, que cada persona se sienta libre de hacer sus propias interpretaciones.

Gran parte de tu trabajo está dedicado e inspirado por mujeres. ¿Es una elección o viene derivado de tu impulso creativo?

Supongo que es una elección inconsciente, aunque siempre me he sentido más cómoda creando o recreando personajes femeninos. Creo que dar visibilidad a mujeres que no responden a los cánones que normalmente nos marcan desde los medios de comunicación siempre es bien.

Nos puedes comentar algún proyecto en femenino que te haya dejado boquiabierta.

La publicación ‘Lucha Libre’ de Fréderiqu Bangerter, en la que recopila citas de Rousseau, Proudhon, Schopenhauer y Kant sobre su visión (nada buena) acerca de las mujeres, que alterna con imágenes de luchadores mexicanos. Muy recomendable para constatar como la esencia de esos pensamientos siguen vigentes en la actualidad y han ayudado a conformar una imagen de la mujer que dista mucho de la realidad.

Si fueras una cantante de éxito, ¿qué te gustaría que te tirara el público al escenario?

Sinceramente, preferiría que no me tiraran nada, aunque los cheques de diez mil serían bienvenidos.

Define tu estilo en dos palabras.

Pasivo agresivo.

Tres artistas a los que idolatras (cualquiera que sea su disciplina).

Alejandra Pizarnik, Henry Darger y PJ Harvey.

Si dirigieras el Ministerio de Cultura, ¿cuál sería tu primera medida?

Buff… pues primeramente dar a la cultura el lugar que se merece dentro de la sociedad, como algo inherente a ella. Hoy en día el valor que se da a la cultura en general es de risa y desgraciadamente la clase dirigente sigue perpetuando esa desidia porque claramente le interesa. Una medida más concreta, sería, por supuesto, rebajar el IVA cultural.

¿Cuáles son tus planes de futuro… o para mañana, mismamente?

Seguir trabajando duro y si los planetas se alinean, poder dedicarme profesionalmente a la ilustración que es lo que realmente me llena.

Agradezco a Cristina su colaboración y espero que siga disfrutando hasta el límite de su pasión.
Todas las imágenes © Cristina Jiménez | portfolio | facebook | instagram

En Disney World
seríamos cerdos.
En Disney World
sé que hay un sitio para ti.
‘Disneyworld’ | Lagartija Nick

Alexander Grahovsky es uno de nuestros artistas fetiche. En ocasiones insinúa, en otras, provoca, con su toque irreverente tan apreciado por los dementes y en definitiva, crea unas piezas NSFW que nunca dejan indiferente.

Hace tiempo se tomó un cóctel con nosotros con sus ilustraciones pop de temática erótico-casera. Hoy nos asomamos a su último trabajo personal, ‘The Pork-Chop XXXPress vol.1.’, un atractivo proyecto de ilustraciones en blanco y negro en las que muestra con total naturalidad situaciones cotidianas rocambolescas… porque, como en Disney World,  hay un sitio para todos.

Os dejo con ‘Family day feat. The Dick Kid’, ‘Marina & Pablo feat. Marina Abramovic’ y demás éxitos pork-chop. ¡Buen provecho!

“Marina & Pablo” feat. Marina Abramovic and Pablo Picasso

“Excuse me sir, do you have a moment to talk about our lord and savior Cthulhu?”

“Family day” feat. The Dick Kid

“The Odd Couple”

“Kill your Ego” feat. Yayoi Kusama

“Jerry the explorer” feat. Jerry Saltz

“Porn food”

“The confused lizard”

“The connoisseurs”

“TheBrain-Washing machine” feat. Mr. Brainwash

Todas las imágenes © Alexander Grahovsky | Web | Behance | Instagram | Puedes llevarte su último trabajo en láminas y pósters en Society6

“Quiero que mis fotos muestren lo que se siente cuando uno está cómodo en situaciones incómodas”.
Arielle Bobb-Willis

Ropas atrevidas monocromáticas y poses atípicas y juguetonas, bajo esta premisa aborda Arielle Bobb-Willis su proyecto fotográfico.

Esta neoyorquina descubrió la fotografía a los catorce años, momento en el que se traslada con su familia a Carolina del Sur. Para superar el trance, se refugia en esta disciplina artística, el único ámbito donde mantiene el control en medio del caos.

Su fotografía bebe de las influencias de pintores abstractos como Mark Rothko, Basquiat o Picasso, artistas que le inspiran por su particular manera de componer. Así, Bobb-Willis arma formas diversas, cuadrados rojos, círculos verdes o rectángulos azules plasmados en jerseys y pantalones que encuentra en tiendas de segunda mano, evitando poner el foco en los rostros de los modelos.

Color, forma y movimiento, la piedra angular de unas fotografías que son un chute de energía positiva.

Todas las imágenes © Arielle Bobb-Willis | Web |  Instagram 
Información extraída de Illusion Scene.

“Si quieres ser universal, habla de tu pueblo, de tu aldea”
Anton Chéjov, escritor y dramaturgo ruso

En la mitología griega, las Islas Afortunadas o Islas de los Bienaventurados, entre las que se encuentran las Islas Canarias, eran ese lugar de eterna primavera y felicidad que estaba reservado a los que habían mantenido su alma completamente apartada de la injusticia.

Tengamos el alma limpia o no, el caso es que viajar y vivir en las islas Canarias produce esa percepción cuasi divina de no pertenecer a este mundo, una sensación que bien conoce Rubén Acosta. 

En su libro ‘La costa afortunada’ (Ediciones Remotas), este artista visual y fotógrafo lanzaroteño profundiza en la autenticidad de esos lugares canarios a los que no llega el turismo, a través de un compendio de historias personales. Así, retrata la arquitectura, geografía y especialmente la manera de vivir y sentir en las nueve islas del archipiélago canario (incluidas La Graciosa y Lobos), pero con un enfoque de fuera a dentro, dejando el mar a las espaldas.

En palabras de Acosta, artista interesado en urbanismo y sostenibilidad, “’La costa afortunada’ la componen poblados de la costa de las islas Canarias que son casi desconocidos incluso para la mayoría de residentes. Son espacios de resistencia al progreso, alejados de rutas turísticas, en el límite de lo social y natural, y que en muchas ocasiones ni aparecen en los mapas”. Se trata, añade, de “núcleos contraculturales que sobreviven como encapsulados en medio del reinado absoluto de la hiperconexión y la industria masiva del viaje”.

Agradezco a Rubén el haber creado un trabajo documental alejado de esos tremebundos y deshumanizados resorts turísticos y que enfatiza en lo ‘auténtico’, dignifica a las personas que viven en las aldeas del litoral y conquista el alma de los que vivimos enamorados del pueblo canario.

Un pueblo cuyo encanto reside en la velocidad a la que se mueven sus gentes, de forma pausada, al golpito, con toda la calma del mundo, pero con mucho fuego en el corazón.

Declaraciones recogidas en Onda Fuerteventura.
Todas las imágenes © Rubén Acosta | Web | Instagram

Pocos artistas pueden presumir de expresar mucho con poco. Violeta Arús es una de ellas. Esta joven estudió Diseño de Moda pero se dio cuenta de que aquello del patronaje, corte y confección no le llenaba. A Violeta lo que le apasionaba era el dibujo, las imágenes y su proceso de creación. Por avatares del destino, un amigo tatuador le pidió que le tatuara uno de sus dibujos, le enseñó cómo hacerlo y desde ese momento no ha parado de decorar la piel. Para Arús, “ayudar a alguien a hacerse una cicatriz de sí misma de equis experiencia que haya pasado en su vida resulta fascinante.”

Su estilo minimalista-máxima sencillez tiene como premisas el trazo fino, la práctica del puntillismo (combina puntos de diferentes tamaños y tonalidades) y el blanco y negro. ¿El resultado? Dibujos delicados, sutiles y llenos de detalles. “Mis tatuajes nunca estarán en un museo, ni jamás llevan mi firma, porque el tatuaje pertenece a la persona que lo encarga, sólo a ella. Su piel es mi lienzo, pero es un lienzo caduco, finito. Mi trabajo se irá cuando se vaya esa persona, durará lo que dure ella. No necesito que se me recuerde eternamente porque he hecho una escultura que llegue hasta el cielo”, comenta Arús.

Os dejo unas pinceladas de su obra, pura levedad e intimismo. Imposible de olvidar.

Declaraciones para El Mundo TV.
Todas las imágenes © Violeta Arus | Facebook | Instagram

Jean-Michel Verbeeck es un director de arte todoterreno de Amberes que reside en Los Ángeles. A este artista visual le apasiona explorar las relaciones entre arte y diseño con un enfoque innovador. Sus creaciones en 3D rechazan las fronteras tradicionales y llevan al límite de la narración abstracta con un profundo sentido estético y un toque poético muy personal.

Verbeeck es fundador y director creativo de la agencia multidisciplinar Konstruktiv y ha trabajado para colosos como Nike, MTV o BMW, Adobe, entre otros.

Su trabajo se centra en estructuras geométricas fantásticas con colores vivos y curvas complejas que son toda una experiencia para el espectador. Sin más, disfrutemos de estos vertiginosos loopings.

Todas las imágenes © Jean-Michel Verbeeck  | Web | Behance | Instagram

Jackson Tupper, ¡qué bueno que viniste! Este estadounidense de Burlington (Vermont) es diseñador gráfico en Burton Snowboards, la mítica compañía de material de snowboard que ha impulsado el crecimiento de este deporte extremo en todo el mundo mediante su equipo de riders profesionales, y un virtuoso de los trazos de una línea (evocan a los dibujos picassianos) que dan vida a personajes adorables.

En el #Skaturday de hoy rescatamos una serie de dibujos minimalistas dedicados al mundo del monopatín. Pequeños caprichos de skater que hacen buen maridaje con voluptuosos cuerpos al aire, caídas espeluznantes, saltos imposibles y piruetas que provocan agujetas con sólo mirarlas. No sé vosotros, pero cuanto más las remiro, más ganas me dan de despelotarme y subirme en una tabla de skate.  Todas las imágenes © Jackson Tupper | Web | Ello

Desde hoy 22 al 26 de febrero se celebra en Madrid la Semana del Arte, unos días dedicados a lo mejor del arte contemporáneo, con actividades y exposiciones que no te deberías perder.

Una de nuestras recomendaciones es Hybrid Art Fair & Festival (24-26 febrero), un festival urbano organizado por Boreal Projects que apoya a jóvenes artistas con proyección y que tendrá lugar en las habitaciones del hotel Petit Palace Santa Bárbara.

¿Qué hace especial a Hybrid? Sin duda, la experiencia del visitante. Este festival apuesta por una manera más desenfadada y creativa de mostrar ese talento que deambula por las ciudades, dejando atrás el anquilosado y frío concepto clásico de galería de arte. El encuentro en un espacio tan limitado como una habitación de hotel favorece un ambiente distendido e invita al contacto entre galerista, artista y público. Además, al tratarse en su mayoría de artistas que están empezando, es posible adquirir obras de gran calidad a precios asequibles.

En total 34 espacios culturales alternativos ofrecen sus propuestas independientes de arte emergente a nivel local e internacional. Hoy, te servimos un pequeño aperitivo con algunos de los artistas que te encontrarás en las habitaciones del céntrico hotel madrileño… Y lo mejor es que no tienes que llevar maletas, ¡ni deshacerlas!

Fernando García del Real

Inés Maestre

Leila Amat

Teresa Cucala

Evandro Prado

Manel Ortega

Juan Carlos Casasola

Mit Borrás y Rachel Lamot (performance)

Koko Che Jota

Alba Cosz

Dario Felicissimo

Además, puedes disfrutar del programa de actuaciones en vivo, actividades y performance que harán de tu visita a la feria una experiencia dinámica.

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“Arría las velas que el viento no para.
Piensa un destino y se incluye en la escala.
Busca un tesoro con piedras preciosas.
Rumbo nordeste y olvida tus cosas.”

‘Ultramarinos’ | Los Bonsáis

Helena Toraño (Llanes, 1984) es una de esas personas privilegiadas que ha convertido su pasión en profesión. Esta licenciada en Bellas Artes es unas de las creadoras más reconocidas en su tierra. Apasionada y nostálgica de la cultura popular, el cine, la música y la estética de las décadas centrales del XX, en sus pinturas plasma ese toque naïf, pop y colorido tan característico de aquella época.

A Helena le queda tiempo para dejar los pinceles y subirse al escenario como integrante del grupo Los Bonsáis. Además de cantar, tocar e interpretar, lleva la imagen de esta formación de noise pop que ya ha actuado en festivales de relumbrón como el Contempopránea.

Hemos intercambiado unas palabras con Helena a propósito de su trayectoria pictórica, más adelante hablaremos de su más que interesante trabajo sonoro, porque a versatilidad artística no le gana nadie.

“El sueño”

¿De dónde te viene tu amor por la pintura? ¿Cómo empezaste en este ámbito artístico?

Pues aunque pueda sonar un poco a tópico, el amor por la pintura me viene desde que era una niña. Ni siquiera recuerdo el momento en que me empezó a gustar porque era muy pequeña (tengo dibujos guardados desde que tenía cuatro años). Siempre tuve claro que estudiaría Bellas Artes y que quería pasarme la vida pintando. Nunca me planteé una opción b, la verdad.

“El beso”

En tus cuadros hay una clara presencia de figuras humanas femeninas representadas con mucho color y viveza. ¿Es una elección o viene derivado de tu impulso creativo? 

Prefiero las historias protagonizadas por mujeres (o en las que éstas tienen un espacio importante): novelas, cuentos, películas, canciones… Puede ser que, en el fondo, busque el verme reflejada. Casi siempre que imagino una composición pienso en una mujer como protagonista. Es algo que me sale de forma natural.

En mi casa somos tres hermanas de edades muy cercanas, un poco como si fuésemos trillizas, así que probablemente, el haber crecido con ellas también tenga mucho que ver.

En tus trabajos muestras la cultura popular y hay referencias al cine o la música de los años sesenta y setenta. ¿Qué te traerías de esa época al 2017?

Yo creo que antes el diseño primaba más que ahora, que es todo más funcional. La ropa era más bonita, los estampados de las telas, los coches, los muebles, los teléfonos, los frascos de colonia, las cajas de juguetes, la maquetación de las revistas, etc. Creo que el aspecto de las cosas se cuidaba más entonces.

Aunque también puede ser sólo cuestión de gusto y que yo tenga cierta debilidad por todo lo vintage. Además de la forma en sí, me atrae lo que conlleva: la nostalgia, la historia…

“El Gran Gatsby”

“La canción del verano”

¿Cuáles son tus preferencias en el universo pictórico?

Aunque mi pintura puede estar más cerca del Pop Art (de donde destaco a los británicos David Hockney y Peter Blake y al estadounidense Alex Katz) soy una entusiasta del postimpresionismo y las primeras vanguardias (Henri Rousseau, Félix Vallotton, Gertrude Abercrombie, Toulouse Lautrec, Henri Matisse, Dufy, Balthus, Suzanne Valadon, René Magritte, Edward Hopper…). Me encanta dedicar tiempo a observar sus obras en mis libros.

“No te vayas”

“Canción de despedida”

Si resucitaran a Goya ¿qué te gustaría preguntarle?

Lo que me gustaría, mucho más que preguntarle nada, sería sentarme a observarle mientras pinta.

Recibiste el Premio Asturias Joven de Artes Plásticas 2014. ¿Qué se siente al obtener este reconocimiento en tu tierra? ¿Ha supuesto un empuje real a tu carrera?

Llevaba unos cuantos años presentándome (no sé si cinco o seis) así que fue una muy grata sorpresa. En Asturias hay mucha gente joven haciendo cosas muy interesantes y este premio me parece imprescindible y necesario para que nos podamos dar a conocer. La exposición que presenté en la Sala Borrón (Oviedo) gracias a ese premio tuvo bastante éxito y a raíz de ese momento me salieron proyectos interesantes. ¡Desde entonces no he parado de pintar! Así que de momento puedo decir que sí ha supuesto un empuje real.

Un trabajo especial para ti.

¡Qué difícil! Así de pronto se me ocurren los diseños que realicé para los discos de mi grupo de música, Los Bonsáis. Poder aunar dos de mis cosas preferidas, música y pintura, resultó ser doblemente satisfactorio.

Define tu estilo en tres palabras.

Colorido, naïf, nostálgico.

Un proyecto que hayas descubierto últimamente y que te haya dejado con la boca abierta.

Desde la semana pasada no pienso en otra cosa que no sea la exposición de David Hockney en la Tate de Londres. No creo que cuente como descubrimiento pero ahora tengo todos mis pensamientos en intentar escaparme un fin de semana y disfrutarla.

¿En qué estás trabajando en estos momentos?

Precisamente hoy inauguro mi primera exposición individual en Madrid. Se llama ‘Las horas libres’ y tendrá lugar en la Galería Utopia Parkway. En septiembre de este año tengo otra expo individual en la Galería Gema Llamazares (Gijón) y ya estoy empezando con los apuntes y los bocetos.

Un sueño alcanzable…

Seguir trabajando tanto como estos últimos dos años en lo que realmente me gusta.

“Nordeste”

“Vuelve pronto”

“Martín Pescador”

Helena Toraño expone ‘Las horas libres’ del 3 de marzo al 28 abril en la Galería Utopía Arkway (Reina, 11. Madrid).

Todas las imágenes © Helena Toraño Caso | Web | Instagram

Agradecer a Helena su dedicación y a Pablo Álvarez este gran descubrimiento.

La envidia como motor de búsqueda y como razón para destacar el trabajo de otros.
Danielle Krysa | The Jealous Curator

En la actualidad, la norteamericana Danielle Krysa es una autoridad en el ámbito de la difusión artística. Quién se lo iba a decir cuando años atrás un profesor de Bellas Artes le recomendó dejar los pinceles y olvidarse de la carrera. No sabemos si estas palabras la desanimaron, el caso es que se alejó durante diez años del mundo del arte para dedicarse al diseño gráfico publicitario.

Por suerte, Krysa retomó su pasión. Hoy es comisaria de exposiciones y la mente que está detrás del famoso blog The Jealous Curator, un espacio en el que muestra ilustraciones, bordados, pinturas, cerámica y cualquier pieza de artistas vanguardistas de todo el mundo que le provocan envidia pero también un gusto irrefrenable. Además, es autora de varios libros, como Creative Block, un manual que recoge entrevistas a profesionales del arte y que incluye claves para atajar el temido bloqueo creativo o Collage: Contemporary Artists Hunt and Gather, Cut and Paste, Mash Up and Transform, un compendio de collages contemporáneos e inspiración visual para los amantes de esta técnica.

Actualmente Danielle reparte su tiempo entre la divulgación y la pintura. Precisamente el trabajo que hoy os traemos es un combo entre su gran pasión y las imágenes vintage. ¿El resultado? Collage que cuentan historias a golpe de colores vibrantes y fotografías antiguas, todo servido con un toque de humor. A destacar su ‘obsesión’ por la reina Isabel II, los guateques sesenteros de Hawái y el gouache en colores neón, una combinación para volverse loc@.

Todas las imágenes © Danielle Krysa | Web | Instagram

Los relatos del historiador Tito Livio describen a Lucio Quincio Cincinato (519 a. C. – 439 a. C.) como un dictador “bueno”, un general requerido por el Senado para defender a la República Romana en momentos de dificultades, por un plazo máximo de seis meses, y un modelo de honradez, integridad y otras virtudes como la falta de ambición personal.

Dos mil años después, el estudio de fotografía alemán Frank Bayh y Steff Rosenberger-Ochs nos muestra un proyecto paradójico que nos retrotrae al buenismo velado de aquel líder romano. Con la serie titulada “What if they were unicorns” presentan retratos de despóticos y crueles líderes de nuestra historia reciente pero ‘camuflados’ en rostros de inocentes niños, tristes y llorosos.

Este trabajo nos hace preguntarnos qué habría acontecido si Hitler, Stalin u Osama Bin Laden hubieran sido hombres sensibles y compasivos. ¿Cómo habrían pasado a la historia? o, ¿qué ha aprendido la humanidad de las guerras y asesinatos que provocaron?

Pero Steff y Frank van un paso más allá al plantearnos un ejercicio de abstracción sin parangón: ¿Os imagináis que estos calamitosos personajes fueran unicornios? Esas bellas criaturas fantásticas que encarnan la libertad, la pureza, la imaginación o la ilusión. Probablemente tengáis que cerrar los ojos muy fuerte, pero al abrirlos la fotografía digital de estos chicos alemanes os volteará el corazón, permitiéndoos dar al botón de Rew y mantener un hilo de esperanza en el futuro.

Todas las imágenes © Frank Bayh und Steff Rosenberger-Ochs | Web | Behance | Instagram

“Eres rápido, zombi, sólo quieres alimentarte, sólo quieres infectarme.
¿Qué voy a hacer? Sólo me queda correr.”
‘Zombies rápidos’ | Pan Total

Las criaturas que dibuja Ken Tackett no son zombies, pero si te las encontraras por la calle a buen seguro te sobraban piernas para correr. Ken es un ilustrador y diseñador freelance residente en Texas. Graduado en Arte con mención cum laude, su trabajo como pintor ha sido presentado en diversas galerías de New Hampshire y Texas.

Hoy rescatamos su serie “Anatomy and Nature”, unas ilustraciones anatómicas surrealistas, adorables y con un punto macabro, inspiradas en el Power Metal, un género musical que combina elementos del metal tradicional con metal neoclásico, optimista y de sonido alegre, como vivos son los colores que emplea Ken para adornar y complementar todos los recovecos de nuestro cuerpo. Un estilo creepy a tener en cuenta en nuestro próximo y ansiado #Jalouín.

Todas las imágenes © Ken Tackett | Web | Instagram | Tumblr

La revolución curvy (que todo necesita su denominación anglo-cursi) ha sido aprovechada por las marcas para mostrar a sus “mujeres reales”. Tanto es así, que en su afán por vender más, una compañía de productos de cuidado personal lanzó campañas ‘por la belleza real’, promoviendo el mensaje de aumentar la autoestima de las mujeres que no se ajustan a los cánones de belleza y a la tiranía de las tallas S o XS, eso sí, siempre fomentando la idea de que la mujer debe ser juzgada por su aspecto físico y no por su desempeño profesional o por valores éticos, por ejemplo.

Nos desmarcamos de esta visión torticera de la belleza y acudimos a Antonio Páramo, ilustrador y artista digital mallorquín, residente en Colonia (Alemania), que le mete un bofetón a tanta hipocresía social y marketiniana. Sus ilustraciones digitales retratan a sensuales mujeres sin atender a las modas pasajeras, mujeres que no necesitan lecciones de autoestima y que están muy por encima de las opiniones de los demás.

Antonio dibuja mujeres con curvas desde que era niño y está sensibilizado porque reconoce haber sufrido ‘gordofobia’. “Me encantaría que, con el tiempo, se deje de considerar la gordura como algo feo y se acepte el cuerpo de los demás y el de uno mismo sin sentirse mal porque no peses lo que la sociedad quiere que peses“, afirma Páramo. Sus Body positive drawings son un canto en favor del amor al cuerpo y de la belleza que no se mide en tallas, una oda a las mujeres seguras e independientes que aman sus curvas y que muestran su piel sin tapujos, enfrentándose a todos los mensajes negativos que nos lanzan desde ámbitos como la moda.

Páramo recibe encargos de mujeres de todo el mundo, deseosas de verse dibujadas, que reconocen sentirse empoderadas por verse reflejadas tal cual. “Retratar a la mujer curvy como a una mujer igual de bella que una mujer delgada puede ayudar a que se den cuenta de que su cuerpo es bonito, no importa si es delgado o no. Las mujeres curvy son igual de bellas y merecen ser retratadas igual que las demás“. Así es, Antonio.

Declaraciones recogidas de la entrevista para Fat Gab
Todas las imágenes © Antonio Páramo | Web | Behance | Instagram